Antonio Canova è uno scultore e pittore italiano. Fu il rappresentante più significativo del classicismo nella cultura europea. Gli accademici del XIX secolo, incluso Thorvalsen, lo consideravano un modello. Le più grandi collezioni di opere di Canova sono conservate al Louvre e all'Ermitage.
Un rappresentante eccezionale del nuovo classicismo glorificato la bellezza ideale. Con le sue opere ha fatto una rivoluzione nell'arte. Il maestro iniziò a creare alla maniera barocca di Lorenzo Bernia, ma poi riuscì a trovare la propria strada.
L'inizio della creatività
La biografia del famoso maestro iniziò nel 1757. È nato nella città italiana di Possagno nella famiglia di uno scalpellino Pietro Canova e sua moglie Angela Zardo Fantolini il 1 novembre. Il padre morì nel 1761. Il bambino fu allevato dal nonno.
Pazino Canova, titolare di botteghe murarie, si distingueva per un carattere molto difficile. Il ragazzo ha imparato a lavorare con la pietra. Il nonno notò il talento del nipote e presentò Antonio Giovanni Faliero. Nel 1768, sotto il patrocinio di un influente senatore, il giovane maestro iniziò a realizzare le sue prime opere.
Per insegnare a suo nipote, il nonno ha venduto la fattoria. Con i fondi ricevuti, Antonio ha potuto studiare l'arte dell'era dell'antichità. Nell'ottobre 1773, il giovane iniziò la scultura Orfeo ed Euridice, commissionata dal suo mecenate. Ha finito di scolpire Canova due anni dopo. Il successo dell'opera è stato assordante.
L'antica arte greca divenne fonte di ispirazione per il giovane scultore. I capolavori riconosciuti della sua modernità non sono stati inclusi nel numero di modelli di ruolo. Antonio apre la sua bottega a Venezia. Nel 1779 vi fu creata una nuova composizione, "Dedalo e Icaro". Dopo averlo esposto in piazza San Marco, è stato nuovamente universalmente riconosciuto.
Meraviglioso lavoro
Una delle prime opere di successo di Canova presenta due figure. Icarus è impeccabilmente bello e giovane. Il corpo del Vecchio Daedalus è imperfetto.
Dedalo e Icaro
Sull'esempio della giustapposizione di giovinezza e vecchiaia, l'impressione della composizione è notevolmente migliorata.
Lo scultore ha trovato e utilizzato una nuova tecnica preferita. L'asse di simmetria corre al centro, ma la figura di Icaro è inclinata all'indietro. Insieme, entrambi gli eroi creano una linea a forma di X, fornendo l'equilibrio necessario. Anche il gioco di ombre e luci era importante per il maestro.
Nel 1799 il maestro ventiduenne si trasferì a Roma. Ha iniziato a studiare le creazioni dei maestri della Grecia. Dopo aver riconosciuto tutti i personaggi principali della mitologia, Canova iniziò a riflettere sulle proprie tradizioni artistiche. Il giovane maestro li fondava sulla nobiltà della semplicità. Questo ha notevolmente influenzato il suo lavoro.
Cupido e Psiche
Le sculture di Antonio furono poste alla pari con i leggendari scultori dell'antichità. Il maestro ha lavorato per migliorare lo stile classico. Lo scultore si inserisce perfettamente nell'atmosfera culturale della città eterna. Il suo lavoro gli ha portato riconoscimento e successo in tutto il mondo.
La composizione "Cupido e Psiche", eseguita nel 1800-1803, è rappresentata da due figure. Il Dio dell'amore guarda con tenerezza il volto di una bella amata. Psiche gli risponde con lo stesso sentimento. L'intersezione di entrambe le forme forma una linea sinuosa e morbida a forma di X.
Il pubblico ha l'impressione delle figure che fluttuano nell'aria. Psiche con Cupido deviano in diagonale. L'equilibrio è raggiunto dalle ali spiegate dell'abitante dell'Olimpo. Il centro della composizione è Psiche, che abbraccia il dio dell'amore. Le forme sono elegantemente fluide. È così che il maestro esprime l'idea dell'idealità della bellezza. L'originale della statua è conservato al Louvre.
Le prime opere dello scultore hanno ripetuto le opere di famosi scultori. Tuttavia, mentre studiava le opere dei maestri greci, Canova decise di evitare di esagerare l'importanza della passione e dei gesti nelle sue composizioni. Arrivò alla conclusione che solo con un rigoroso calcolo e controllo poteva trasmettere sensualità con idealità.
Le opere del maestro non assomigliavano all'arte familiare ai suoi contemporanei. Passo dopo passo, Canova ha creato opere uniche, dalla cera all'argilla fino al gesso. Solo dopo iniziò il lavoro con il marmo. Lo scultore ha lavorato instancabilmente per 14 ore, senza lasciare il laboratorio per un minuto. Non ci sono informazioni sulla sua vita personale.
Tre Grazie
Tra il 1813 e il 1816 fu realizzata la scultura "Le Tre Grazie". L'idea è venuta da Josephine Beauharnais. Ci sono ipotesi che all'inizio lo scultore avrebbe ritratto Harit tradizionalmente, come si supponeva nella mitologia. Talia, Euphrosinia e Aglaya, le bellissime figlie di Zeus, accompagnavano la dea della bellezza Afrodite.
Gioia, prosperità e bellezza divennero simboli di grazia. La figura centrale della composizione è abbracciata dalle altre due. L'unità è rafforzata dalla sciarpa che li unisce. Una specie di altare è un sostegno di colonna su cui è posta una ghirlanda.
Il gioco di luci e ombre è ottenuto dalle curve morbide dei corpi e dalla lavorazione ideale del marmo. Questa tecnica è utilizzata in altre creazioni del maestro. Armonia e raffinatezza sono incarnate nelle tre Charita. L'originale della scultura è conservato nell'Ermitage.
Lo scultore ha utilizzato solo marmo bianco per la modellazione. Con l'aiuto di composizioni armoniche, l'immobilità delle creazioni sembra viva. Si ha l'impressione di essere vivi in movimento. Una caratteristica del talento del maestro era la massima lucidatura del materiale. Tutte le opere hanno acquisito una brillantezza speciale che attira l'attenzione sulla naturalezza.
La Maddalena penitente
Genova è la patria dell'eccezionale opera di Canova. Fu creato nel periodo 1793-1796. Quest'opera fu la prima ad apparire all'Esposizione di Parigi nel 1808. Il centro della composizione è la figura di una bella peccatrice con il corpo spezzato, il capo chino e gli occhi pieni di lacrime. Non riesce a staccare gli occhi dal crocifisso tra le mani.
La peluria ruvida è sostenuta da una corda e i capelli sono sparsi sulle spalle. La figura è piena di dolore. Vestiti e corpo - con un leggero tocco di tinta giallastra. Con questa tecnica il maestro sottolinea il contrasto tra il fascino irradiato dal peccatore e la conoscenza delle profondità peccaminose. Secondo il piano dello scultore, solo il perdono divino eleva una persona.
Quando il paese fu occupato da Napoleone, molte opere finirono in Francia. Dopo la caduta dell'impero, i Canova iniziarono il loro ritorno. Il buon lavoro del diplomatico ha permesso la restituzione in Italia delle opere esportate illegalmente.
L'eccezionale scultore morì il 13 ottobre 1822.
